2024年釜山双年展的主题为“暗中所见”（Seeing in the Dark），两位艺术总监菲利普·皮罗特（Philippe Pirote）和维拉·梅（Vera May）在主题陈述中明确了自己的位置性（positionality）：作为进步方案的欧洲启蒙主义，一方面以殖民统治的方式在历史上留下了大量负空间，另一方面又通过全球资本主义的官僚管治技术，在加强社会监控的同时，不断背弃自己的公共承诺。 皮罗特和梅指出，“我们并没有在想未来。我们在想何以为继。”对那些刚刚经历了首尔弗里兹博览会和光州双年展开幕，一脸审美和社交疲惫的专业观众而言，“何以为继”指向的可能只是当代艺术市场及双年展自身的续存，但本届釜山双年展试图捕捉的却是一种更为广泛的悲观情绪。

韩国国立现代美术馆（MMCA）正在进行的展览“与身相连：亚洲女性艺术家”（Connecting Bodies: Asian Women Artists）以“肉身”（corporeality）这一概念为视角，聚焦 20 世纪 60 年代以来主要亚洲女性艺术家的作品，从而成为了近期为数不多的在超越国别的共同体框架下对当代女性艺术进行多维度梳理、追踪与审视的机构实践之一。在此背景下，展览在6个章节中分享了约 60 位亚洲女艺术家的约 130 件作品。这些艺术家来自11个国家或地区，她们不仅在艺术史上具有重要地位，而且大部分仍然活跃在今天的当代艺术领域——策展团队与之展览规模相匹配的宏大愿景从中可见一斑。

古代海洋中的许多无脊椎动物，其所有的“坚硬部分”都在身体外部，它们如何将这种外骨骼内化，进化出世界上第一个脊椎动物的呢？——这一问题持续困扰着科学界，许多生物学家就此不断争论着进化论的正确与否。然而，可追寻的例证大多仍要基于无数化石记录，距今约5.388亿年前至4.854亿年前的寒武纪（Cambrian）是生物化石开始在地层中被大量发现的地质时期，几乎所有的现生动物门都出现于被称为“寒武纪大爆发”的演化辐射事件。古生物学家斯蒂芬·杰·古尔德（Stephen Jay Gould）在《地球生命的进化》（The Evolution of Life）一文中表示，“寒武纪生命大爆发是生命史上最引人注目、最令人费解的事件。”然而在数十亿已知的化石中，没有一个能够明确指示出过渡形式和过渡结构在进化过程中的存在，因此也有人悲观地表示：“即使有了 DNA 序列数据，我们也无法直接了解进化的过程，因此只有通过创造性的想象力才能客观地重建消失的过去。”

“代际损失”（generational loss）这一计算机领域的常见概念，通常指图像、音频和视频文件在多次复制、转换或压缩时，数据质量逐渐下降的现象。广东裔瑞典艺术家林立施在文化领域中观察到类似的现象，并在创作中借用这一概念来描述语言的转译与时间的流逝如何侵蚀或改变文化身份。通过故障频出的3D扫描以及支离破碎的虚构叙事，她结合技术和历史，关注保留的残余，去捕捉那些正在悄然流失的珍贵事物，并颂扬那些无法被侵蚀的重要留存。

非盈利艺术组织卡蒂斯特（KADIST）在线发行的电子出版物《传统的频率》（Frequencies of Tradition）是策展人金炫辰（Hyunjin Kim）过去十年研究成果的总结；她曾担任2019年威尼斯双年展韩国馆的策展人、卡蒂斯特亚洲地区首席策展人（2017-2020年）和仁川艺术平台艺术总监（2021年），被认为是这一时代最具代表性的韩国女性策展人之一。同时，“传统的频率”也可视为一系列同名研讨会、委托项目和展览的回响，包括在广东时代美术馆（2020-2021）、仁川艺术平台（2021-2022）和卡蒂斯特旧金山（2022）举办的同名群展。作为卡蒂斯特三年亚洲项目（2018年底-2022）的组成部分，展览始终将目光投注于亚洲传统与现代性之间的纠葛关系上。正如金炫辰在旧金山展览的前言开篇中所说：“‘传统的频率’以传统为中心，并将其视为一个充满争议的空间。”而通过出版物，读者们得以首次窥见这一系列研究/实践的整体面貌。

在领导纽约现代艺术博物馆（Museum of Modern Art, MoMA）30年后，格伦·D·劳瑞（Glenn D. Lowry）在上周宣布，他将于2025年9月卸任馆长一职。“现在是思考博物馆未来的正确时刻，把握当下（carpe diem），”劳瑞在接受《纽约时报》访问时如是说道，“30年前我想要做的事情，或是已经完成，或是正在以一种非常积极的方式进行着。”[1] MoMA董事会主席玛丽-乔西·卡拉维斯（Marie-Josée Kravis）表示，劳瑞在职期间，领导MoMA建立了“更广阔而深入的收藏”，“使博物馆更加开放，成为更广泛思想交流的场所。”董事会将在全球范围内寻找劳瑞的继任者。

2024年7月13日，在美国前总统特朗普的一场集会中突发枪击事件，美联社驻华盛顿特区的首席摄影师埃文·沃奇（Evan Vucci）用相机记录下的瞬间引发人们关注。新闻摄影、普利策奖得主、“刷屏照”版权等话题继而持续发酵，仿佛用相机拍下的照片在图片唾手可得的时代再次值得被重视起来。米歇尔·赛邦（Michel Setboun）与玛丽·库赞（Marie Cousin）合著的《四十年新闻摄影：图片社时代》（40 ans de photojournalisme： Génération Agences）以照片和自述的方式回顾了新闻图片社时代的辉煌，而随着数字化时代来临，图片社面临着消失或合并的不同未来。

本期“美术馆在场”刊发的是北京画院美术馆。当前正在北京画院美术馆展出的展览“劣纸·良画——齐白石的墨痕逸兴”以“纸”为切入点，探索了齐白石的艺术灵感开端。正如这场以材料切入的展览，以小见大，“一叶知秋”，是北京画院如今的工作方法。成立于1957年的北京画院，由齐白石任首任名誉院长，而隶属于画院的美术馆自建馆以来，就以齐白石作品的陈列为立馆之本。如何发挥收藏价值，并持续更新内容活力，以及面向不同语境的观众推动齐白石作品的国际传播，是北京画院持续思考的所在。“美术馆在场”是《艺术新闻》2024年推出的全新栏目，关注一系列处在实践前沿的博物馆与美术馆，从其年度展览和项目策划出发，探访这些博物馆和美术馆如何梳理自身文脉与地域特点，回应时代议题和观众需求，进行资源整合，制定内容策略，试探艺术更多可能的联结，在谋求发展中，同时进行“寻找自身面孔的努力”。正如汉斯·贝尔廷（Hans Belting）在《新美术馆中的艺术史：寻找自身面孔的努力》中所写的，“当没有哪种艺术以达成共识为目标时，任何艺术都有权利争得在美术馆展出的机会。当不再有美术馆去满足所有要求时，每个美术馆都可以利用展览的机会让这些不统一的期待获得表达权，让想象中的命题在展览中先后得到实践。”在过去的数年里，中国的美术馆正面临着这样在新的艺术共识没有达成时，不同国家、不同时间段与不同流派的艺术同时呈现的混杂（丰富）状态。中国国内美术馆在过去数年中迎来了艺术观众的极大增长，但也经历着由于经济和社会环境转轨带来的运营阵痛。国际机构合作与海外巡展在上海与北京等艺术中心城市渐成主流，成为吸引艺术受众的重要模式；以学院作为研究和教育基础的大学美术馆回应自身文脉，生发出联结历史和未来的艺术线索；在城市更新的进程中，美术馆期望扮演文化枢纽的角色，以艺术激活特定地区的文化生活；而由地产体系拱托而起的民营

伦敦考陶尔德美术馆（Courtauld Gallery）正于五月至十月举办英国现代艺术先驱、极具天赋的女画家和设计师凡妮莎·贝尔（Vanessa Bell，1879-1961）的个人展“现代艺术先驱”（A Pioneer of Modern Art），以纪念 100 年前这位伦敦最具创新精神的艺术家之一。贝尔同时也是布卢姆茨伯里派（Bloomsbury Group）和欧米茄工作室的创始人之一、作家弗吉尼亚·伍尔夫（Virginia Woolf）的姐姐。她曾一度被人们所遗忘；她的艺术和个人生活总是被神秘感和矛盾所笼罩——这一切无不令人着迷。这也是美术馆首次公开展示馆内收藏的一些凡妮莎·贝尔的作品。展出的作品包括油画，如她的成名作《对话》（A Conversation）、木刻、纸本作品以及她为欧米茄工作坊（Omega Workshops）所做的纺织品设计等。

第三届弗里兹首尔艺术博览会（Frieze Seoul，以下简称“弗里兹首尔”）于9月7日落下帷幕。今年的弗里兹首尔和往年一样与韩国画廊协会运营的Kiaf SEOUL同期举办，据主办方估计，在为期四天的活动中，弗里兹首尔共吸引了来自46个国家的逾70,000名访客，其中包括来自世界各地的收藏家和130多家美术馆与机构的代表。