▲  弗朗索瓦·莫尔莱，《雪崩》，2006年

自路易威登基金会（Fondation Louis Vuitton）于2014年立成以来，定期举办经典藏品展便为其一大传统。此次苏珊·帕杰（Suzanne Pagé）策划的“与世界合拍”（In Tune with the World）展览又汇聚了一批全新的精选馆藏，并分A、B两部分进行展示。A部分由基金会和村上隆合作构思，使参观者沉浸于这位日本艺术家的独特世界；系列B“生活在宇宙中的人”（Man in the Living Universe）中中的作品围绕着情感亲和力，确立了“发光”、“这里，无限……”和“倾覆的人”三个主题。 ▲  “与世界合拍”的展览现场，图片来源：TANC

路易威登基金会管理人让-保罗·克拉夫利（Jean-Paul Claverie）在接受《艺术新闻》专访时表示，策展围绕“与世界合拍”这个充满诗意的主题，强调的是人文精神与实时思考。所有艺术品从不同侧面反映了人在宇宙中的位置，以及人与周围环境之间的纽带，凸显了人、动物、植物乃至无生命体之间的相互联系。

▲  村上隆，《诺亚方舟》，2016年

村上隆依托日本的政治、文化和社会历史，融合卡哇伊美学和原子弹、海啸等近代本国创伤，创造出与现实相隔绝、既黑暗又美妙的异想世界。借助不同形式和材料，艺术家任由想象力恣意驰骋，其作品色彩饱满，充满幻想中的生物、半人半兽，融合了流行和学术文化、佛象和漫画、传统和现代、西方和东方、古老技艺和现代技术。

▲  村上隆，卡哇伊空间（11号画廊），图片来源：TANC

让-保罗·克拉夫利认为村上隆是当今世界数一数二的伟大艺术家，他的艺术是独一无二的。谈及艺术家之前几年与品牌的合作，克拉夫利说：“更多是村上隆选择了路易威登，因为路易威登代表了一种美学，就像沃霍尔的艺术一样是一种文化象征。但这次展示的村上隆作品与品牌无关，是艺术家的独立表达。他的艺术看起来非常波普甚至搞笑，但事实上充满深度，讲述了死亡、灾害，有许多来自日本神教、漫画意象，他将不同的元素组合在一起，构成了充满力量的文化、艺术对话。”

▲  村上隆，《章鱼吃掉自己的腿》，2017年，图片来源：TANC

9号画廊专门用于展出 DOB，这是艺术家在1993年创造的第一个角色，被他视作另一个自我。11号画廊是一个卡哇伊的空间。而重头戏是10号画廊中展示的巨幅壁画《章鱼吃掉自己的腿》（The Octopus Eats Its Own Leg）。这件作品此次首次亮相欧洲，它借鉴了18世纪日本绘画的传统意象、结合古代壁画的特质，以当代风格重新演绎了中国道教八仙的传说。

▲  “与世界合拍”的展览现场，图片来源：TANC

被问及逻辑性如此之强的策展希望带给参观者怎样的体验时，克拉夫利表示：“希望这些作品能够部分解答每个人都有的问题，那就是个体在社会、世界的位置。参观者的反应可以是面对纯粹美时的目瞪口呆，可以是面对不喜欢的作品时的厌恶情感，也可以是获取新信息时的好奇欣喜，但最糟糕的就是冷漠与无动于衷。”

而B系列“生活在宇宙中的人”则在3层不同的空间中呈现展品。一层，来自14位艺术家的作品围绕着“发光”（Irradiances）这一主题，每件作品都有关人与自然的持续对话，探讨了不同材料及它们的变形如何创造一种宇宙景象。 ▲  皮埃尔·于热，《人形面具》，视频作品，2014年

地球非人类所独有，因为面对痛苦、快乐等情感，哪怕是微生物都会有所反应。皮埃尔·于热（Pierre Huyghe）和岛袋道浩的装置、视频作品就体现了艺术家们的社会责任感和他们对生态、环保问题的深入思考。展厅的重头戏之一是克里斯蒂安·波尔坦斯基（Christian Boltanski）2014年的装置《灵魂的音乐》（Animitas）。大屏幕前一片花圃，视频里则展现了800个日本小铃铛在智利沙漠上摇曳的场景，它们的声音模仿“星星的音乐和亡灵的声音”，带领参观者穿越时间与空间的障碍，最后找到内心的宁静。而丹·弗莱文（Dan Flavin）和弗朗索瓦·莫尔莱（François Morellet）的灯光装置散发出宁静、和谐的力量。

▲  克里斯蒂安·波尔坦斯基，《灵魂的音乐》，2014年，图片来源：TANC

位于底层的“这里，无限……”（Here, infinitely …）主题展厅中，3位艺术家通过重塑艺术史上的标志性作品，跨区域串联将历史、当下、未来世界串联，反思了人类在历史中的主导地位及消亡的可能性。 ▲  阿尔贝托·贾科梅蒂，《倾覆的人》，1950-1951年，图片来源：TANC

泳池层的主题名称“倾覆的人”（The Man who Capsizes）与阿尔贝托·贾科梅蒂（Alberto Giacometti）的雕塑同名，并以之为起点。这个系列的灵感来自各种身体形态，从最真实到最虚构，呈现了13位现当代艺术家对身体这一最古老的艺术表现对象的思考。马蒂斯剪纸形式的身体翩然起舞，克莱因则将人体变成了活的画笔；多米尼克·冈萨雷斯-福斯特（Dominique Gonzalez-Foerster）、奇奇·史密斯（Kiki Smith）等多位艺术家则从文学、音乐、宗教、大众传媒中寻找灵感，探讨“身体”在历史、社会中的特殊意义；而在郑曦然（Ian Cheng）与马克·莱基（Mark Leckey）思考人类的最终命运，在他们的作品中，人的形象与其他生物形象之间的界限变得模糊。

▲  格哈德·里希特，《丁香》，1982年

此次展览作品在形式、材料、媒介上的多样性和丰富性叫人印象深刻，克拉夫利承认，对非传统艺术形式作品的收藏是一种大势所趋，但这完全不代表传统绘画、雕塑的落寞。伊夫·克莱因（Yves Klein）的单色世界追求人的感觉、生命与宇宙精神的和谐统一；格哈德·里希特（Gerhard Richter）绘画作品中的炫目色彩则是精心安排与随意挥洒的绝妙组合；而马克·布拉德福德（Mark Bradford）的作品《雨的报道》（Reports of the Rain）在创造时所需要投入的精力和时间一般人则难以想象。

▲  伊夫·克莱因，《ANT 104》，1960年

2016年，基金会曾专门为中国艺术家举办名为“本土”的展览。谈到中国当代艺术家的发展状况，克拉夫利评论道，文化根基对于艺术家创作来说十分重要，中国当代艺术家们保留自己的个性，使用世界各地艺术家都采用的手段、方法、表达形式，但更应该传达一种专属于中国艺术家的特质与情感，并让世界各地的人都能有所共鸣。这就是所谓的“积极全球化”。（采访、撰文/马君怡）

※若无特殊标注，

本文图片均来自路易威登基金会