惠特尼美术馆新馆
美国惠特尼美术馆在纽约城中的肉库区（Meatpacking District）的新馆5月1日开馆。新馆由伦佐·皮亚诺（Renzo Piano）设计，耗资4.22亿美元，是该馆20年来持续扩张的巅峰。新馆面积是原由包豪斯建筑大师马塞尔·布罗伊尔（Marcel Breuer）所设计的旧馆的2.5倍。而5月1日开幕的新馆首展“美国难以看清”（America Is Hard To See）也受到广泛好评。馆长亚当·维恩博格（Adam Weinberg）及策展人与《艺术新闻》分享了他们对新馆本身和开馆展览的看法。
与馆长同游新馆
开馆展览VIP预览前一个星期，《艺术新闻》记者在惠特尼美术馆馆长维恩博格的陪同下一起参观了新馆。一路上，维恩博格还在不停地与同事、策展人、艺术家和施工人员交谈。
玛丽·黑尔曼的装置作品
我们首先遇到艺术家玛丽·黑尔曼（Mary Heilmann），她在美术馆监督装置作品《日落》（2015年）的布展。两件大型几何形嵌板装饰着美术馆大楼外墙，而糖果色的椅子正散布在天台上。维恩博格与黑尔曼谈起她的作品，说：“看起来真令人愉悦。”
维恩博格说：“我们希望让艺术家把整座美术馆看作充满可能性的空间。”他期待着艺术家们想出更多新的装置展示创意。美术馆外部空间现在就有如展厅的延伸。罗伯特·莫里斯（Robert Morris）的雕塑正在屋顶展出，与6楼展厅中唐纳德·贾德（Donald Judd）和索尔·乐维特（Sol Lewitt）的作品也互相呼应。
维恩博格说：“接触艺术品的经历是艺术体验的一部分。”他强调停顿的重要性，参观者在首展的600件展品中穿行很可能需要偶尔停下来思考。“在美术馆，应该用一些时间来看艺术，也该有停顿的时刻。而不是走马观花说一句‘我看过了’”维恩博格说。
新馆也更适合行为表演——这是惠特尼美术馆在2012年的惠特尼双年展上得到的教训，当时舞蹈表演是重要的组成部分，但旧馆中没有剧场和表演空间。维恩博格说：“我们在地板上又铺了一层地板。”这是为了保护舞者的双脚。而新馆有设备齐全的投影展厅和剧场，每个展厅中还有木地板。“你可以在美术馆各处跳舞，”维恩博格说。
新馆设计本身就是一次艺术创作
在此次新馆建造过程中，策展人与建筑师伦佐·皮亚诺通力合作，尽可能将馆内空间设计成能在未来很长一段时间内允许艺术家进行任何创作的地方。“我们把场馆的设计本身当成了一次艺术创作”，惠特尼美术馆的首席策展人冬娜·德萨尔弗（Donna de Salvo）说。在设计过程中，场馆策展团队几乎参与了所有的讨论，从屋顶的高度（满足馆藏最高的作品——白南准1982年创作的4.6米高的《V-yramid》）到内墙与地面之间的缝隙。按照德萨尔弗的说法，这些细节其实与主创之间一连串的哲学讨论不无关系。
占地22万平方英尺的新惠特尼美术馆中三分之一的空间将会被用来展示永久馆藏作品。值得一提的是，类似《V-yramid》这样的作品将会在一段时间后与观者见面。而开馆展览《美国难以看清》则是对美国20世纪90年代之后艺术品的一次全视角透析。此次展览将呈现从未展出过的伊丽莎白·卡特莱特（Elizabeth Catlett ）和卡曼·埃雷拉（Carmen Herrera）的代表作。埃雷拉也将会在2016年于新馆举行个展。
新惠特尼美术馆内复合式阁楼结构为策展提供了更多可能。德萨尔弗坦言即将开幕的弗兰克·斯特拉（Frank Stella）回顾展在旧馆显然是无法实现的，因为那里最大的空间也不足新馆临时展厅的二分之一。“如果在旧馆，就免不了需要分层展示和人为分篇”，她说。新馆还吸引了不少藏家和行业资深人士，伊桑·瓦格纳（Ethan Wagner）和提亚·瓦格纳（Thea Westreich Wagner）就曾在2012年允诺向该馆捐赠500件作品。而皮亚诺的施工过程更是坚定了两位捐赠者的信心。
双馆齐开并不遥远
目前策展人们正在对新址进行试验性探索，暂时还没有空怀旧。“布罗伊尔旧址感觉已经是过去时”，德萨尔弗说，“我们希望给艺术家一个崭新的实验场所。”但是惠特尼美术馆新旧双馆并开之期也近在眼前。惠特尼美术馆的旧馆现已被大都会艺术博物馆租下，这份租赁合同将在2023年到期。届时将可能新旧两馆同时开放。
策展人之选：开馆首展中的精彩作品
开馆首展“美国难以看清”细数了惠特尼美术馆馆藏美国艺术品，是对美国当代艺术史的一次系统梳理和研究。《艺术新闻》采访了馆方团队中3位策展人，让他们选出自己最期待看到，却很少展出的一件馆藏作品。
推荐人：斯科特·罗斯科普夫（Scott Rothkopf）
策展人及联合项目总监
卡罗·博夫，《诗中历险》（Adventures in Poetry），2002年
“我2009年刚加入惠特尼时，最大的梦想就是为美术馆收藏第一件艺术家卡罗·博夫（Carol Bove）的作品。具体来说，并不是博夫任意一件作品，而就是《诗中历险》。在我看来，这件作品是她早年最重要的雕塑作品。但作品当时在一位私人藏家手里。我不停地追踪它的下落，直到它被转到大卫（David）和莫妮卡·卓纳（Monica Zwirner）手中。去年他俩把这件作品捐给了惠特尼，用于此次开馆大展。该作品通过书籍和图片的组合，将上世纪六七十年代关于性别、政治和美学的讨论放大。在博夫手中，这个时代变得既真实又迷幻，既可爱又神秘，令人向往。”
推荐人：卡特·福斯特（Carter E. Foster）
绘画策展人
里奇蒙·巴尔特，《非洲舞者》（African Dancer），1933年
“我被里奇蒙·巴尔特（Richmond Barthé）这幅以女舞者为主角的作品深深打动。巴尔特是哈莱姆文艺复兴（Hrlem Renaissance）时期最伟大的一位艺术家。我发现浸润在西方雕塑传统中的巴尔特是在用传统技巧模拟黑人女性的身体。而他的创作方式一方面受哈莱姆文艺复兴影响，另一方面则受米开朗琪罗的启发，在女性身体中加入了男性线条。巴尔特融合非洲及欧洲艺术，男性及女性特点的创作使整件作品产生视角的转换。通过性别和多重雕塑的结合，艺术家对种族和美进行了充满个性的定义。”
推荐人：戴娜·米勒（Dana Miller）
永久收藏部策展人
小圃千浦“世界风景”（World Landscape）系列的8幅木刻版画《美国》（1928年－1930年）
“我等不及要看日本出生的艺术家小圃千浦的木刻版画，这是它们第一次在馆内展出。这些木刻版画是根据小圃千浦1927年的水彩画而创作的，那年他在加州尤塞米蒂谷和High Sierra地区露营。小圃曾在东京逗留18个月，跟随传统手工艺人学习技法，每一件成品都要经历百道工序。有时候雕凿成千上万的木块只是为了一把木头刷。小圃的作品满足了一切对木刻版画的要求，东西合璧的方式更是为美国风景的呈现提供了别样的可能。”撰文／Helen Stoilas，Julia Halperin 译／赵丹钰
