以这一欧洲最早的博物馆为题，加拿大艺术家Mark Lewis的卢浮宫影像创作准备了3年。1990年代初期，Mark Lewis就开始从事图像和影像创作，他的作品被称为是“在图像历史里的反向旅行”。这次他基于博物馆建筑本身和馆内的古典艺术收藏，即卢浮宫玻璃金字塔、米洛维纳斯展厅，以及15世纪的佛罗伦萨宗教画和19世纪法国画家夏尔丹（Chardin）的绘画作品，创作了4部长短不一的影像作品。在他的作品中，绘画、摄影和电影形成一种无声的对话。
《夜间展厅》（The Night Gallery）片段，画面中主体渐缩小。在Mark Lewis的作品中，博物馆被当做一个叙述空间，讨论观众和博物馆藏品之间的关系。
这次展览的策展人，也是卢浮宫当代艺术部门的负责人Marcella Lista应TANC之邀，解读Mark Lewis的影像作品，也由此叙述卢浮宫与当代艺术创作之间长久、不间断的历史。
Q：“马克·刘易斯，创作于卢浮宫”（Mark Lewis, Invention au Louvre）所要呈现的主题是什么？
A：Mark Lewis为卢浮宫创作的四部影像作品不仅同卢浮宫、卢浮宫的历史与收藏形成了一种深刻的对话，同时也是一次对参观者的经历的思索。而我们延长展期，正是为了让观众欣赏或者说多次欣赏这些影片，全面感受其中所探讨的主题：博物馆中流淌的“时光”。
《玩陀螺的少年》（Childwith a Spinning Top）片段，Mark Lewis根据18世纪法国画家夏尔丹的同名油画而拍摄的无声高清影片，创作于2014年，作品总时长4分39秒
让·巴蒂斯·西美翁·夏尔丹（Jean-Baptiste-Siméon Chardin, 1699-1779），《玩陀螺的男孩》，1735年
Mark Lewis重新审视了1763年法国沙龙中对“移动影像”的讨论：狄德罗邀请观众在欣赏绘画时，用看歌剧时的小型望远镜从画作的右边移动到中央；歌德建议观众在欣赏梵蒂冈的拉奥孔（Laocoon）时，快速眨眼以使眼前的雕塑群更加鲜活。由此Mark Lewis认为，“移动的影像”在电影技术发明之前，已经被观众的眼睛所发现
Q：Mark Lewis这些展出作品的创作来源是什么？
A：Mark这次展览的名字“创作于卢浮宫”（Invention au Louvre），正质疑了一个观点——电影由卢米埃（Lumière）兄弟于1893发明。从科技史的角度来说确实如此。然而使“图像移动”，这早在人们观看艺术作品时就已经存在。从古至今，文学作品中就不乏对艺术的叙述，它使观众对绘画或雕塑产生视觉的想象。在为卢浮宫拍摄计划准备的三年中，Mark从电影最初的历史中寻找启发。最终，在博物馆这个充满叙述性的空间里，以一种极有共鸣的观感，创作出一组高品质的镜头，让观众犹如徜徉在时间长河中。Mark的作品以远观的视角重新审视卢浮宫——这座始建于1793年的第一座现代公共博物馆中形成的视觉的历史。
Q：这次的卢浮宫当代艺术计划为什么选择Mark Lewis？
A：Mark Lewis的作品深深受到视觉文化的影响。70年代，Mark Lewis在温哥华遇到了摄影家Jeff Wall。和Jeff Wall一样，Mark Lewis试图抓住历史的脉络，以接近或区别于三种构成图像的语言：绘画、摄影和电影。这三种语言之间相互联系：因为每一种新的媒介都从传统中汲取营养；但它们又不尽相同，因为新的媒介都会影响我们看待以前作品的眼光。Mark不是单纯“引用”艺术史的艺术家。他通过对视觉图像的重新诠释，以独特的电影眼光间接地传达出艺术史的张力。
Mark Lewis的作品《寻找幸福的拉涅利》（In Search of the Blessed Ranieri）片段，影片中运用新技术模拟游客在卢浮宫游览时的视觉移动
Q：卢浮宫当代艺术计划中，新媒介创作，如数字技术的运用是其选择作品的标准吗？
A: 卢浮宫的当代艺术的计划并不是严格按照艺术媒介的类型来编排的。从手工技艺到最具革命性的技术，所有技术是合理地都在讨论着我们的时代。Mark Lewis展出的四部数字影像中，大部分由旧式摄影机拍摄而成（从电影的角度来说，就是指带稳定器的摄影机或者轨道式移动摄影机）。而Mark Lewis在名为《寻找幸福的拉涅利》（In Search of the Blessed Ranieri）的影像中运用了最新的技术：数字动画。对于Mark来说这是第一次有机会重新思考固定图像和运动图像之间的对话，同样地，也通过数字技术的使用来获得潜在的新事物。借助电脑用成千上万的图像构建成一个三维视觉空间，在这个空间里，模拟出现实中摄影机无法完成的动作。这些在影片中不真实的空中画面，例如不受重力约束的图像，将游客视线移动的动作逐步、具体地表现出来的。
Q：您如何看待影像艺术？除了Mark Lewis的作品，卢浮宫还展出过哪些其他影像艺术作品？
A: 如今，众多影像艺术家都对由技术发展引起的艺术材料和艺术形式的问题很敏感。例如数码摄影，其非物质的存储和移动，以及无限传播的潜能，深刻地改变了我们的视觉模式及对美学的认识和体验。这种历史性的、人为创造的虚拟领域引起了瓦利德·拉德（Walid Raad）的兴趣，并在其2013年在卢浮宫举办的名为“抓住我可以否定的事物：阿拉伯世界的艺术史”（Scratching on Things I Could Disavow : A History of Art in the Arab World）的展览中得到了体现。这个展览探讨了在全球化的背景下，延续历史的记忆的条件：历史景点，历史分支和虚拟空间。Mark Lewis创作了胶片技术不能实现的作品，也深刻地改变了绘画艺术。他最大限度地开发图片本身潜在的信息，而不是用数字技术给图像柔光、美化图片。图像记录偶然发生的事物，而图像在拍照的瞬间也已经解体了。这个瞬间记录在图片的像素里，在绘画的材质里，在不稳定的空间中不断扩张，通过实际图像和虚拟运动之间的探讨，深入思考人文环境的条件。
– 卢浮宫与当代艺术 –
Q：卢浮宫从什么时候开始关注当代艺术？卢浮宫最近支持的当代艺术创作还有哪些？
A：这个问题的回答和博物馆的历史一样长！18世纪，卢浮宫就举办沙龙展出当时艺术家的作品，其中就有宫殿建筑艺术中沿用至今的装饰艺术，例如欧仁·德拉克罗瓦（Eugène Delacroix，1798年-1863年）或乔治·布拉克（Georges Braque，1882年-1863年）的天花板装饰。这一领域中，最新的运就是“The Ceiling”，它是由赛·托姆布雷（Cy Twombly，1928年-2011年）于2010年在古希腊青铜器展馆中绘出的“天空”顶棚。当代艺术展览计划时常以不同的形式展开：展览、出版物、表演、影像创作。2015年秋天，克罗德·列维克（Claude Lévêque，1953年- ）新的影音设备将进入卢浮宫的“中世纪鸿沟”（Fossés Médiévaux）展厅中。
Q：您如何看待在传统博物馆里实现的当代艺术创作？
A：总的来说，遗产及其未来都有象征意义和现实意义，它们一直都会是引发艺术家们思考的存在，这和科学的发展也是一样的。自百科博物馆或者世界博览会诞生以来，例如卢浮宫，这一问题就已经存在。如今，艺术家们站在今天同所有时代对话，这也从根本上改变了我们对过去作品的看法。随着现代主义艺术必须具有前瞻性和新奇性的特点在淡化，我们可以说这种思考已经获得了广泛的认同。撰文/Zhenni.H
2010年，赛·托姆布雷（Cy Twombly）绘制于卢浮宫古希腊青铜展厅天花板上的作品《The Ceiling》
德·列维克（Claude Lévêque）2014年为卢浮宫玻璃金字塔创作的红色霓虹灯装置。在卢浮宫提供的科技和设备支持下，2015年至2016年克罗德·列维克将继续为卢浮宫创作，他的下一个光影装置作品将在2015年秋天进入卢浮宫的“中世纪鸿沟”（Fossés Médiévaux）展厅
马克·刘易斯，创作于卢浮宫（Mark Lewis, Invention au Louvre）
展至8月31日
巴黎卢浮宫
