广东时代美术馆位于居民住宅区顶楼的展厅是曾频繁到访于此的人们再熟悉不过的地方，但此次展览“岛亦有道”却带来了全然不同的感受。策展人谭悦在展览入口处设置影像暗房，所有观众必先经历这段黑暗观看体验的洗礼，才能进入敞亮的展厅。

霓虹，城市夜晚的魅惑，闪烁着欲望，也低语着秘密。然而，不同于往常诱人的五光十色，在巴塞罗那圣安德里亚·德·贝索斯区（ Sant Adrià de Besòs）的海边，艺术家组合克莱尔·方丹（ Claire Fontaine） 将冷冽的白光注入了始建于 1912 年的三根巨大烟囱之中。这三根曾经见证了城市电力发展史的工业遗迹，如今与霓虹灯作品《当女性罢工，世界停止》相遇对话。这件作品在第十五届欧洲宣言展（Manifesta 15） 期间，于巨大沉默的厂房内部发出无声的呐喊，宣告着女性力量的觉醒。冷冽的白光在充盈着自然光线的广阔空间里依然清晰可见， “女人罢工，世界停止”这一简洁有力的宣言如同紧绷的弓弦，随时可能迸发出惊人的能量，改写世界的格局。这座退役的发电站，随着技术的进步和人们对改善劳动条件的追求，见证了时代的变迁。周边的社区居民，尤其是女性，为了更清洁的空气和更健康的家园，一次又一次地发出抗议的声音。她们的斗争，推动着这座发电站的变革，也推动着这个城市的前进。当她们选择罢工，选择不再沉默，世界将会怎样？ 

1936年，查理·卓别林（Charles Chaplin）在《摩登时代》中与齿轮机械共舞的形象定格了公共图像库中的经典范例。他对现代工业化世界充满想象力的讽刺，透露出潜意识中的质疑——技术变革带来的现代世界是否是一件好事？当时代倾轧下的动荡现实不可阻挡，千千万万普通人的生存处境势必被卷入无法停歇的巨轮中。

“浮声切响”一词源自南朝学者沈约所撰《宋书·谢灵运传论》：“欲使宫羽相变，低昂互节，若前有浮生，则后须切响。”“若前有浮生，则后须切响”意为在汉语文句中平声（“浮声”）与仄声（“切响”）需要间杂使用，使声律相宜。正在BY ART MATTERS天目里美术馆举行、由策展人孙熳策划的展览“浮声切响”，正是从这一词语传递出的人类对于节奏、音韵、旋律的细腻感知出发，汇集阿洛拉&卡尔萨迪亚（Allora & Calzadilla）、奥利弗·比尔（Oliver Beer）、娜塔莉·布钦（Natalie Bookchin）、克莉丝汀·孙·金（Christine Sun Kim）、常羽辰、姚清妹等17位/组艺术家的作品，以听觉为切口，在听觉、视觉、触觉以及多感官联觉现场“跳出词不达意的表层障碍”，连接超越此在时空的集体记忆与私密情感。

裂缝与缝补、完形的流动与未完形的凝固、必然与偶然，这些看似对立的状态皆在艺术家尹秀珍对材料的长期探索与呈现中互为制衡。乍看之下，多变的材料与感知间的联觉，仍是缔结尹秀珍本次大规模个展“刺天”的基础。作为上海当代艺术博物馆（PSA）“中国当代艺术收藏系列”展览的最新章，“刺天”由艺术史学者巫鸿策划，涵盖了尹秀珍二十余件极具代表性的作品。对这位在观念艺术和材质艺术的舞台上持续产出的创作巨擎而言，她所实践的方法并非是通过审美的政治性去直接标明某种意识或立场，而是在人本（humanness）上做长久的停留，维持最纯粹的温情，同时细腻与乐观地回望个体与集体性的创伤。

“这个世界太残酷了……生活在这里，处处面临着危险。只有比生活更残忍，才能面对这片土地。”走入陶辉在香港大馆当代美术馆的个展“荒丘”的展厅，就隐约听到了用北方方言这样略显“接地气”的语调诉说着非常书面化诗意对白的女声低语。此时，稍微地遮挡了观众视线的是一道由七彩玻璃鸡脚串起的幕帘。

“太平洋标准时间艺术节”[PST ART，原名“太平洋标准时间”（Pacific Standard Time）] 是美国境内覆盖范围最广的艺术活动。其名称“太平洋标准时间”唤起了对美国西海岸地理的联想，尤其是南加州，从洛杉矶一路延伸至圣地亚哥、圣巴巴拉，直至棕榈泉。

摄影是否是艺术？这个问题几乎与摄影技术一同诞生，从那之后被一代又一代的人不断探讨至今。1940年，建馆10周年之际，纽约现代艺术博物馆（MoMA）在蒙特·纽霍尔（Beaumont Newhall）的带领下创建了摄影部。事实上，在纽霍尔上任摄影部主任之前，其所策划的展览“摄影，1839-1937”（Photography 1839-1937）就已经展示了摄影的艺术性不容被忽视的态度，他在沿技术与功用变迁这一线索去分类探索摄影诞生后近百年形态的基础上，怀揣着一种形式主义美学理念策划出一章“当代摄影”。

艺术家、诗人林顿·约翰逊（Rindon Johnson）在上海外滩美术馆的个展“最佳合成答案”中通过多媒介作品探讨了太平洋的“复杂地理”，沿袭了上海外滩美术馆本年度的研究方向，以疆界、领土、国家、生态、殖民主义和身份认同等议题为落点，以上海（31.2304°N，121.4737°E）为圆心发散，篇章性地呈现研究性展览，而此次展览的标的在太平洋彼岸——旧金山（37.7749°N，122.4194°W）。

艺术家雪松生于重庆，自幼在江边的山水之间成长，故乡的自然环境是这位画家心灵的沃土。他从小嗜画，十几二十多岁时，雪松觉得自己在现实中是一个弱者，写生与探险让他以另外的方式找到自己的笃定。背着画架沿着长江一走就是一整天，天上的流云或岸边的群山都在画里，仿佛这个时候自己可以任意畅游；除此之外，就是和一两个相熟的朋友，常常仅凭彼此之间最原始的手与脚互相助力，在一切可以攀爬的山岭中徒手攀岩。2002年，雪松刚入四十岁，有数年没有拿过画笔，这个自称从来都可以靠手艺生存的四川人，从重庆浪游到深圳，此后又辗转到北京，就是靠着一身手艺与社会交接往来。这一年，他推掉所有社会事务的邀约，重新拿起颜料和画笔。这一年，他决定要郑重面对一个八十岁之后的自己，如果不能留下一些作品，让年老的自己看到，就是此时的自己既辜负了从前二十几岁的执着，也辜负了以后年老时的期待。