北京。“我特别想做一个和‘母题’有关的作品，像西方的宗教画，中国以山水为宗教。我们最早有潇湘的概念，才产生出‘潇湘八景’这一主题的绘画，后来从地理概念中抽离出来，在日韩生发，传到整个东亚，影响了日本后期的艺术，一直到浮世绘。”郝量在接受《艺术新闻》采访时表示。“郝量：潇湘八景”于11月4日在尤伦斯艺术中心拉开序幕，这次展览计划甚至在郝量于2014年蜂巢艺术中心的个展之前就开始筹备。
▲ 郝量在创作“潇湘八景”，图片来源：郝量工作室
▲ “郝量：潇湘八景”展览开幕现场，图片来源：尤伦斯当代艺术中心
演绎中的“潇湘八景”
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郝量的作品及此次展览的母题——“潇湘八景”，目前存世最早的作品被归结为中国宋代禅僧牧溪所作。在展厅入口处，摆放着牧溪《潇湘八景——渔村夕照》的珂罗版印刷品。经过数百年的历史风云，如今“八景“已分离成单独的挂轴，仅存4幅，均藏于日本各公私博物馆。
日本在最看重中国唐宋古物的室町时代，曾视“潇湘八景”为珍宝，川端康成曾评价牧溪的《潇湘八景》：“它已深深地浸透到我的身体里，给我颤栗般的感动。能给人以这种感觉的美术，在西方仅有列奥纳多·达芬奇一人。”日本人对“潇湘八景”的推崇可见一斑。
▲ “潇湘八景”展厅入口处摆放着牧溪《潇湘八景——渔村夕照》的珂罗版印刷品，图片来源：尤伦斯当代艺术中心
国内对“潇湘八景”最早记载的是沈括的《梦溪笔谈》，宋代画家宋迪是目前有案可考，绘制“潇湘八景”的第一人。在其后，南宋的江参、王洪、禅僧玉涧、牧溪等都创作了相同画题的作品。除此之外，董源、李成、米友仁、夏圭、马远以及后代的许多画家也都创作了以潇湘为母题的绘画，数不胜数。
“潇湘”题材的作品最早打动郝量的是东京国立博物馆的一张李氏所作《潇湘卧游图》，“那张画让我很感动，画中的每一处山尖都很漂亮，画面非常宁静。”从此，郝量开始关注“潇湘”这一题材。
▲ 南宋李氏《潇湘卧游图》（局部），图片来源：东京国立博物馆
郝量通过图像和文本的研究发现，“潇湘八景”是“一个母题，不停地演绎，但都和所处时代产生关系。”郝量笔下的“八景”则和以往的主题完全不一样，却也围绕中国画的艺术观讨论了8个山水画的主题，包括山水与文人的关系、山水与当下人的关系、绘画色彩与抽象感的讨论、时间、空间、卧游、文本等方面，每张涉及的问题都不一样，但立足点都是在当下。
《雪色》是郝量“潇湘八景”中的一张，作品的创作灵感来源于北京冬季有雾霾的雪天。在冬天雾霾重时，空气中的颗粒格外大，天空折射出五颜六色的光线，“就像看到罗斯科画面的那种感觉。”郝量感叹，“我就把这样的颜色记录下来，应对了潇湘八景中的雪景这一主题。”
▲ 郝量《潇湘八景——雪色》，绢本水墨，2014-2015年，图片来源：尤伦斯当代艺术中心
▲ 郝量《潇湘八景——瞬息》，绢本水墨，2014年，图片来源：尤伦斯当代艺术中心
2014年完成的《瞬息》也是郝量对“时间”感知的结果。冬春之交，一片萧肃之际，玉兰花树前一天还是小花骨朵，转眼间在一刹那就都开放了。郝量以当下的认识来处理这种在生活中遇到的“刹那”之感，借此在画中探讨中国画是如何描绘时间的。
跨时空转化：当代语境下的传统回望
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郝量的创作方式被称为“知识考古”，他对古代美术、文学、画论、文献的深入研究，以绘画转译文本，以当代演绎的方式回望传统。“像我这个阶段研究中国山水，一定要从自然中抽离出来，回到文本，回到大的艺术史看待‘潇湘八景’这一主题。”郝量介绍。在研究文本中对潇湘的记录时，最打动他的是《徐霞客游记》中描写中的段落，郝量就把书中感知化的东西提炼出来，“用徐霞客的感知来串联整张画”，完成了《士游》这件作品。
▲ 郝量《潇湘八景——士游》，绢本水墨，2016年，图片来源：尤伦斯当代艺术中心
对郝量“潇湘八景”创作产生影响的，还有传说中马远的画作——早期的“潇湘八景”都是一张张的单幅作品，而马远却将八个景全部处理在一个空间里。“我们当下的空间观，如何架构画面？”在郝量的画中，折叠式的空间只有在当下语境才会产生，因为面对的世界是有了电影、现代艺术、现代文学的影响。“他山之石，攻己之玉，中国艺术要有自己的生命力，内在营养必须充足才行。”
“以前的绘画还特别讲叙事，这次的叙事都藏在画中，更注重空间的转移，时空的变幻。”在《琳琅》这件作品中，郝量试图以今人的方式，构建这样一个跨时空的画面。画作视觉是扭曲的，不同景别与视角以类似“蒙太奇”的方式全部被构建在一个画面中。他将其称之为“山水魔方”——“这个画面就像一个魔方体一样”。
▲ 郝量《潇湘八景——琳琅》，绢本水墨，2015年，图片来源：尤伦斯当代艺术中心
《万化》也是郝量着力于对空间的描绘。天地幻化，风的记录是靠云的扭转，靠植物的摆动，天遇晴靠光的描绘，对夕阳的描绘依靠映照在溪流中水的颜色，郝量尝试以一件单幅的绘画讨论手卷绘画中空间的转化。
▲ 郝量《潇湘八景——万化》，绢本水墨，2015年，图片来源：尤伦斯当代艺术中心
山水与自然：藏匿的时代感
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以前的潇湘题材画作的尺幅都很小，郝量的“潇湘八景”尺幅大得太多了（387×184 cm），“画得比较累，但也有一些技巧上的发挥，自我感觉有所突破。”大尺幅的画作让郝量探索出不同于以往的创作方法，“靠的是对绘画语言的摸索，一生二，二生三……一点点生发出来，画这么大的尺幅，就要解决问题。”
▲ “郝量：潇湘八景”展览现场，每幅作品尺幅达 387×184 cm，图片来源：尤伦斯当代艺术中心
“潇湘八景”的画面看上去温文尔雅，但实际上具有强烈的颠覆性。当代人已经改变的视觉和审美观，让郝量重新解决传统绘画在当代面临的新问题。在处理山水和人与自然的比例关系时，郝量表示“峰回路转是我处理画面的一种追求，比如，明明画的是静的，但让人感觉具有动感；明明感觉很庞大的景观，一排竹林又让你回到现实。”他想让画面的整体感更强，但内容又很多——“要协调多种矛盾，处理很多画面构造的矛盾。”
郝量追求的是在中国绘画传统内探讨艺术创作。“我一直追求的当下感是隐藏的，不是图像化的当下感，探讨的是中国画内部的现代性到当代性的问题，所有的动力来自于内部。”郝量举例，倪瓒作品的构图，与自然的关系很和谐，提炼为凝固的模式；弘仁发挥了倪瓒的构图，但他描绘的是在深入山川中游玩后的自然；到了王原祁，他又将倪瓒的构图变成了案头的自然。“内部的情绪既反映了画家所处的时代，又是同样的构图，这就是中国画内部的问题，也是中国画的深邃之处。”
▲ 倪瓒《容膝斋图》，约1372年，图片来源：WikiArt
在他看来，中国画处理“母题”的重要原因之一就是为了避免当下的图像，隐藏当下的情绪，最终的时代感是藏匿的。然而，每个时代看到的东西一定不一样，滋养来自于更广的学科和眼界，这才是文人画的精髓所在，是靠很多学科交织，生发出的艺术。“我们不能迷恋倪瓒的图像，要迷恋的是倪瓒如何从自然中获取想法。”
“我只是当代艺术家中的画家”
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在6月南京四方美术馆策划的“山中美术馆”展览项目中，应馆方的邀约，郝量以当地一本民国影印本龚贤画册为基础，创作了一件实验性的观念作品《龚半千四百一七》。而广州个展展出的手卷《此君卷》和由9件研究过程中选出的材料组成的《此君考》，则更全面地呈现出了郝量的工作方法，此项目以明代学者王世贞私家园林弇山园为研究对象，耗时两年半。“两个展览要一起看，你才知道我这3年到底干了什么。”郝量说道。
▲ 郝量在四方当代美术馆举办的“山中美术馆”项目中展出的作品《龚半千四百一七》，图片来源：四方当代美术馆
在“潇湘八景”展览举办之前，郝量参与策划的龙美术馆的展览“敏行与迪哲：宋元书画私藏特展”也刚于10月28日开幕。郝量表示，参与这次策展，收获最大的还是更深入地研究中国古代书画，“我做龙美术馆展览，没有考虑这是一个古物陈列，我考虑的是这个展览如何对当下有启发。”
▲ “敏行与迪哲——宋元书画私藏特展”现场
郝量自2006年从四川美术学院中国画系毕业，至今正好10年。回顾最初的创作，郝量说，“那时就想表达，技巧比较有限，作品很‘拙’；现在反而越来越想把要表达的东西‘藏起来’——以前是一定要把我的想法告诉大家，现在的想法是一定要把这张画画好。”
在这10年间，郝量不断深入传统，学习中国画最讲究的部分——比如技巧、材质、装裱，开创了不同以往的艺术面貌，作品开始由明丽走向幽暗、由平白走向深邃、由西化走向传统，奠定了今日的语言模式。郝量表示，截至2016年完成的“潇湘八景”也算得上是一次转变——在创作这批作品时，想解决很多问题，也找到一些新的方法和可能性。“画画的永远满足不了，这批画画完了，又开始了下一步的创作，会感觉之前有很多问题，亟待解决，可能到封笔那天都没能解决自己想要解决的问题，但观看的人，可能觉得你解决了。”郝量说道，“我不认为齐白石达到了他想要的高峰，但我们觉得他已经很有高度了。”
郝量强调，“我就是在中国画系统内讨论绘画问题，找到内部动力，所有做的事都是滋养我画画，我只是当代艺术家中的画家，所有问题归结为当下对我的影响。” （撰文／黄辉）
