▲ 艺术家丁乙在武汉美术馆“再十示”个展现场，摄影：黎加正
武汉。4月23日，丁乙个展“再十示”在湖北美术馆开幕。此次展览由美术馆副馆长冀少峰策划，展出了丁乙30年创作历程中的100件作品。一直以来，丁乙喜欢用“十示”与创作日期的结合来命名自己的作品，而此次“十示”前面增加的“再”字，既揭示了一种创作中承前启后的上下文关系，也表达了艺术家在展览中力图实现的自我突破。
对于我来说，“再十示”既是我的创作在经历了长达30年之后的再一次的回顾，也是再一次的开始。
——丁乙
▲ 丁乙作品《破祭》，布面油画，123 x 93 cm，1985年
▲ 丁乙作品《禁忌》，布面油画，84 x 84 cm，1986年
十字栅格作为画面里反复出现的图案，已经成为丁乙个性鲜明的艺术生涯中承载着视觉叙事责任的语符，十字栅格作为艺术家的精神在画布上的载体，也跟随其思考的深入经历着不同的变化。从丁乙刚开始尝试这种创作方式时，十字栅格便作为对社会表达不满的标记，一直到90年代的材料尝试时期、以及后来的荧光色时期，已经演化成为拥有自身阐释系统的符号，直至近期，十字栅格在笔触的交合间又回到一种纯粹、平面的视觉图案。
十字符号在80年代中期是为了消解任何的意义，因为当时中国的抽象绘画经常无法达到最为纯粹的抽象，它总是会被联系到一种现实的景象里，所以我希望用这个能够代表工厂印刷的十字符号来抵御被解读的、有关现实的联想。
——丁乙
丁乙于1990年毕业于上海大学美术学院，在看到弗兰克·斯特拉（Frank Stella）的抽象画时，黑色的挤压中留出了一条细而尖锐的线条，加上潜藏在底层的融化性色彩，这种把绘画语言缩减到最低限度的作画方式以及理性的思路，让丁乙感觉“找到了组织”。
像1加1等于2一样完整、确定。使用清晰、纯真的表达，抛弃是非的混沌。
——丁乙
三个展厅如同小说的三个分章，以三种不同的面向对100幅作品进行展示，同时又将它们整合进一个更为宏大的主题中，以艺术家30年来创作的作品构成其个人历史。
1号展厅搜集了丁乙在各个不同时期创作的以黑白色调为主的作品，《十示2015-13》至《十示2016-3》8件专门为本次展览创作的作品也在该空间内展出。这组作品分为黑白2组，每组各有4张。黑色作品和白色作品分别挂在两堵对立的墙体上，让观者在视线的关照中看清艺术家的创作思路。这组作品使用艺术家自2015年开始采用的新技法，即先在椴木板上涂上厚重的丙烯颜料基底，随后在表层进行绘画和雕刻。雕刻的加入让作品的笔触形成凹凸有序的节奏，对画面进行单一加法的丙烯创作被打破。
1号展厅内的一座倾斜墙体是为此次展览特别搭建，其倾斜的幅度刚好能够令观众在光照条件下以最合适的视线角度来观赏挂在墙面上的作品，这幅巨大的创作高达4米，宽为12.70米，以7个部分拼接而成。
90年代末期，丁乙对十字栅格图案进行了新的排列及组合，让十字成为画面的“基因”，变形并衍生成为方格、三角等不同图样。在材料的运用上，丁乙选用了明亮、时尚的荧光色，令画面整体看似被冲散的像素格，透露出信息时代的鲜活感。
2号展厅主要展示了丁乙在此荧光色时期的创作。为了能够最大程度地配合艺术家亮度及纯度都比较高的荧光色创作，展览的墙体也被刷成了粉绿色和浅灰色。偏灰偏冷的两种色调，抵消了作品在视觉上带来的直接冲击，同时将此系列的大量作品糅合进了一个由温柔的色域营造的空间中。
展览对于粉绿色的选择，也凸显了丁乙的区域身份。“20世纪30年代的上海，绿色是当时的流行色，”艺术家在接受《艺术新闻》采访时提及。那时上海的设计中透露出对绿色的偏爱，绿色也承载了上海人对于那段时期的记忆。此次湖北美术馆将绿色植入了展览空间，丁乙和上海之间坚固的联系，也在绿色带来的联想中入驻。
3号展厅则展示了丁乙小尺幅的纸本绘画系列，这些较为鲜见的作品似乎是对1号及2号展厅中大型作品的补充，观众能够在排列有序的小幅绘画里理顺那些大幅作品之间遗留的问题。
从“十示”系列诞生前尚能看到具象元素的油画，到荧光色、黑白单色各个时期的代表作，再到不为人所熟知的纸本实验，正如策展人冀少峰为“再十示”撰写的评论文章中所言：“正因为数十年来对‘十示’的无休止的追寻与探究，才成就了一个与众不同的丁乙，而丁乙正是透过‘十示’一次次完成了自我的蜕变与超越。”（采访、撰文/彭梓悦）
