3月26日，画家曾梵志亮相于香港高古轩空间，于2019年香港巴塞尔艺术节（Art Basel) 开幕前，呈现了三位艺术大师塞尚、莫兰迪、常玉的静物画（still paintings) 作品，只是这一次他的身份是策展人。

一切都有迹可循，早在去年10月8日位于香港豪瑟沃斯（Hauser & Wirth) 的展览“曾梵志：工作室”（Zeng Fanzhi: In the Studio ）中，曾梵志已经带来了他所着迷的静物画家塞尚和莫兰迪的作品，当时他在接受《艺术新闻》专访时表示，他试图通过“色彩”来与他所欣赏的画家取得一定的内在联系。比如曾梵志2018年的作品《无题》中的烟灰、青蓝、砖红，勾调出的颜色就是来自于莫兰迪穿越时间的隽永色泽的启迪。

本次展览中，两幅莫兰迪的静物画（Natura morta）分别完成于1953年和1954年：1953年的那幅画中两个看似相同白色瓶子，隐约呈现一个偏红，一个偏绿的色彩流变，这个发现让曾梵志感到兴奋，他发现了一种联系： 色彩构建并解构了画面空间。 当被问及为什么会选择这三位艺术家来做这个展览时？曾梵志表示，“这三位伟大画家的作品之间存在着一条有趣的视觉线索。” 他强调这条线索，“不仅启发了后来的创作者，也启发了观众用一种新的角度来理解绘画”。

莫兰迪曾经表示他对于塞尚绘画结构非常感兴趣，从对色彩、造型和绘画对象的紧密结合，来进行创作。这样一个视野植根在莫兰迪自己的创作中，并延续这种手法，他用过水平线以及减弱色彩对比模糊了抽象和具象的边界，从而削弱了画面中物品的立体感。这种手法对曾梵志而言非常有启发性，他一直都想做一个展览，来呈现他对于莫兰迪独特绘画手法的诠释。本次展览中，他更加入了旅法画家常玉的作品，后者处理画面的态度与其他两位不同：他创作的根源来自于东方，虽然用的技巧和材料是西方的油画。

已经进入西方藏家视野的中国画家曾梵志，对于先于他将近一个世纪，前往法国留学的中国画家常玉，也许会有着更深刻的感同身受。他表示：从常玉的作品中——一个东方人的视角和审美中得到共鸣。他认为常玉的骨子里带了浓厚的东方传统美学精神，身处二十世纪三十年代西方（欧洲）现代主义绘画的氛围中，创作自己的作品。

本次展览中展出的两幅常玉的盆花，分别完成于1930年和1931年， 画面中最吸引观者的两个元素：色彩和线条是画家中西技巧交融的体现：在1931年的作品中，他用厚重的油彩砌出花的层次，同时又用平涂色彩与浅平的空间来表现。1930年的那幅白玫瑰的背景，是常玉惯常用手法：背景上宽下窄一分为二，但这个分层没有他同期的作品中常见的黑色线条，后者是他中式技巧的印记。

画中他用厚重的色块区隔来表现轮廓，这显然受到了当时巴黎画派的影响。就中西艺术史比较的角度而言，西方画家用色彩来表现自己的情绪，而东方则用线条。 这是非常有趣的表现手法（representation) ：1930年，一位中国画家的传统技巧在西方画派的洗礼下，延展出东方画作的现代性；如今2019年，再由一位中国画家用观看者的视角，将东方和西方三位大师的作品并峙呈现。

曾梵志一直表示，自己对于视觉的敏感远大于文字。往往喜欢文字的人，会不自觉在展览中找叙事的脉络，他建议所有的观者，一定要到现场去感受展览所带来的视觉呈现。这不是一个按照年代、作品类型、画家年谱串连出的展览，这是图像与图像，现与面，色彩与空间之间相互参照、对比、构建出来的视觉效果。这也是一个观照古今中西的画家的观看之道：视觉，依赖的眼睛，而非语言。通过看画来理解画，从而来寻找内心独一无二的世界。

跟任何一个创作生命力旺盛的画家一样，曾梵志需要不同层次的展现，他开放他的工作室, 让外界得以窥探到他灵感产生的雏形；而策展是他另外一种创作形式，对于他的启迪者，无论古今中西，他内心始终是审慎谦卑的。就像对于本次展览，用他自己的说法，这不是一个专业策展人做的“正常”展览，这只是一个观后感，是一个画画的人向大家展示，他究竟是怎么来看画的。 （采访、撰文/傅译文）

曾梵志

– 塞尚、莫兰迪和常玉

高古轩

3月26日至5月11日

*如无特殊标注，本文图片

均由高古轩提供