电影作为一种能够消除语言与政治障碍的艺术形式，刺激着几代影迷善感的神经。2018年，美国巴恩斯基金会与巴黎奥赛美术馆分别将于今年5月与11月带来“雷诺阿：父与子，绘画与电影”特展，展览将聚焦著名法国导演让·雷诺阿（Jean Renoir）的电影作品，以及其父亲、著名印象派艺术大师皮埃尔-奥古斯特·雷诺阿（Pierre-Auguste Renoir）对他的影像创作与艺术审美所产生的影响；布鲁塞尔美术中心（Bozar）将联手La Cinémathèque française于9月19日带来法国新浪潮时期著名左岸派导演克里斯 马克（Chris Marker）回顾展，探讨这位影像大师对电影形式与语言特别是“散文电影”所作出的突出贡献；巴塞尔的坦吉利博物馆（Museum Tinguely）也将于10月24日带来英国实验艺术家、导演、独立动画大师连恩·莱（Len Lye）的回顾展，其舍弃摄影机，开“直接动画”之先河，对故障艺术至今都有着深远的影响。一起来预先了解一下2018年这几场与电影相关的展览。

雷诺阿：父与子，绘画与电影

Renoir:Father and Son/Painting and Cinema

费城，巴恩斯基金会

5月6日至9月3日

巴黎，奥赛美术馆

11月6日至2019年1月28日

 1979年2月12日，法国著名电影导演、印象派画家皮埃尔-奥古斯特·雷诺阿的次子让·雷诺阿（Jean Renoir，1894－1979）于美国洛杉矶贝弗利山的家中去世，2月18日，美国著名导演奥森·威尔斯（Orson Welles）在《洛杉矶时报》发表了一篇感人至深的讣告以纪念这位（用他的话来说）“欧洲最伟大的导演”，卓别林几乎于同日发表悼念文章，纪念了这位出生于十九世纪末电影诞生一代的影人，最重要的是作为一名导演，其所扮演的“作者”角色，真正使得电影开始成为一种艺术门类而存在。

▲ 奥森·威尔斯（Orson Welles）1979年2月18日于《洛杉矶时报》发表的纪念让·雷诺阿讣告，图片来源：洛杉矶时报

今年，美国巴恩斯基金会与巴黎奥赛美术馆分别将于5月与11月带来“雷诺阿：父与子，绘画与电影”特展，展览将聚焦著名法国导演让·雷诺阿（Jean Renoir）的电影作品，以及其父亲、著名印象派艺术大师皮埃尔-奥古斯特·雷诺阿（Pierre-Auguste Renoir）对他的影像创作与艺术审美所产生的影响，展呈雷诺阿父子相关的的电影、绘画、戏服以及摄影作品的同时，还将带来让·雷诺阿早期的陶器作品。在让·雷诺阿的青年时期，他没有选择子承父业，而是在一战期间奔赴前线作战，1914年在受伤回巴黎疗养期间迷上了卓别林电影，为其电影生涯打下了烙印。

▲ 卓别林1979年2月18日发表的纪念让·雷诺阿讣告，图片来源：洛杉矶时报

▲ 让·雷诺阿早期陶器作品，图片来源：巴恩斯基金会

▲ 让·雷诺阿第一任妻子、皮埃尔-奥古斯特·雷诺阿的模特卡特琳·安希琳于电影《娜娜》中的剧照，图片来源：filmstruck

1910年代末，让·雷诺阿继承父亲的遗愿来到法国南部从事陶器制作，并与其父亲的模特卡特琳·安希琳（Catherine Hessling）结婚，随后于1924年真正开始投身电影业，拍摄制作了第一部影片《卡特琳》（Catherine）。自三十年代开始，让·雷诺阿拍摄了《汤尼》、《郎基先生的犯罪》等具有鲜明现实主义倾向的重要作品，还为法国左翼人民战线拍摄影片。随着1937年聚焦一战战俘生活的影片《大幻影》（La Grande Illusion）以及1938年的改编自左拉文学作品的影片《衣冠禽兽》的先后推出，为其赢得了国际声誉。

▲ 让·雷诺《大幻影》剧照，图片来源：the best picture project

▲ 让·雷诺《游戏规则》海报，图片来源：wikipedia

20世纪30年代，彼时的法国因经济萧条与动荡的政治局势而摇摇欲坠，让·雷诺阿于1939年推出揭露阶级矛盾、人性异化之群像的诗意现实主义作品《游戏规则》（La Règle du jeu），如同为法兰西第三帝国敲响的一记丧钟，影片充分展现了二战前夜法国失落颓丧的时代氛围，而该作一经推出遭到惨败，随后原始胶片于二战中严重受损，1959年经重新修复剪辑重新推出，大获成功，成为影史经典之作。

▲ 让·雷诺《草地上的午餐》剧照，图片来源：La Cinémathèque française

二战爆发后，他逃往洛杉矶避难定居，并在好莱坞拍摄了一系列作品。1954年的作品《法国康康舞》（French Cancan）取材自其于蒙马特度过的童年时代，电影理论家巴赞盛赞这部影片是印象派艺术风格在电影上的延续；取名自马奈著名画作的影片《草地上的午餐》(Le Déjeuner sur l’herbe，1959)取景于其父母位于法国南部的寓所，对自然采光的运用使影片被视为对其父亲的印象派艺术风格的继承，并突破性地采用了多机位的拍摄手法，对于20世纪60年代的法国电影新浪潮影人产生了深远影响。

克里斯·马克回顾展

布鲁塞尔，布鲁塞尔美术中心 

9月19日至2019年9月20日

布鲁塞尔美术中心（Bozar）将联手 La Cinémathèque française 于9月19日带来法国新浪潮时期著名左岸派导演克里斯·马克（Chris Marker）回顾展，在展映其《堤》（La Jetée）、《美丽的五月》（Le Joli Mai）等重要作品的同时，也将探讨这位影像大师对电影形式与语言特别是“散文电影”所作出的突出贡献，以及其影像创作的政治指向性与强烈的批判力量，除此之外，他还是一位出色的作家、摄影师、艺术家与音乐家。

▲ 克里斯·马克《堤》剧照，图片来源：La Cinémathèque française

“散文电影”作为介于纪录片和个人主观表达之间的影像创作手法，现已经成为一种被广泛接受的流派，让-马利·史特劳普夫妇、戈达尔、埃洛·莫里斯等人是其主要代表人物，而克里斯·马克正是这一影像语言的开创者。作为一位充满激情的左派知识分子，他热切关注历史过渡中的社会，从中国到苏联，再到日本、北非、以色列、古巴等地，他相继拍摄了《北京的星期天》、《西伯利亚来信》、《日月无光》、《以色列建国梦》以及《要古巴》等多部散文式纪录片。在日益混杂的现代世界中，探讨各种文化将如何审视并维系自身的种种命题。

▲ 克里斯·马克《北京的星期天》海报，图片来源：letterboxd

克里斯·马克于二战期间曾参与法国抵抗运动，战后，他从巴黎左岸的知识分子圈子中脱颖而出，受到了两位战后法国知识分子代表人物安德烈·马尔罗（André Malraux）以及安德烈·巴赞（André Bazin）的影响，并跟随后者在《劳动与文化》杂志的剧场工作。随后的50年代，他开始为《电影手册》撰写评论，1955年至1966年期间他所拍摄的众多立场坚定的左翼题材纪录片，奠定了其作为法国文化圈重要的电影制作人的身份。

▲ 克里斯·马克《北京的星期天》影像静帧，图片来源：CC

“我从一个遥远的国度写信给你”，1958年的《西伯利亚来信》这样开场，克里斯·马克在影片中将苏联修路工人段落重复了三遍，采用了漫画、文本以及画外音的形式，每一次都配以不同的评论，以质疑纪录片的客观性；在1963年反应巴黎的“真实电影”纪录片《美丽的五月》中，他对巴黎人进行了55小时的采访（后缩减为两个半小时时长），对不同巴黎人进行直接访问，包括裁缝、游民、职员、画家、一对将结婚的情侣等，当时的法国正处于持续8年之久的对阿尔及利亚战争的末期，而马克正是在这种集体表达中试图捕捉那个时期的时代氛围。

▲ 克里斯·马克《堤》剧照，图片来源：La Cinémathèque française

1962创作的科幻未来的预言诗《堤》则虚构了一个第三次世界大战的故事，除了一个女人睁开眼睛简短的镜头外，完全由剧照拼接而成，也使他成为新浪潮左岸派中颇具个人色彩以及悲悯的知识分子气质的创作者，他的崇拜者中就包括弗朗西斯·福特·科波拉（Francis Ford Coppola）以及特里·吉列姆（Terry Gilliam），后者更是在《堤》的基础上进行了改编，于1995年创作了其反乌托邦电影代表作《12只猴子》。

连恩•莱回顾展

巴塞尔，坦吉利博物馆

10月24日至2019年1月27日

 巴塞尔的坦吉利博物馆（Museum Tinguely）也将于10月24日带来英国实验艺术家、导演、独立动画大师连恩·莱（Len Lye）的回顾展，作为直接动画和实验电影制作的先驱之一，他同时也是一位画家、摄影师、诗人以及动态雕塑的重要艺术家，他于1901年出生于新西兰，青年时期曾于澳大利亚和萨摩亚长期居住，花了大量时间探索土着艺术，1926年移居伦敦后开始了试验影像创作，二战结束后的1944年，他搬至纽约，生活于格林威治村，在五十年代的垮掉派与前卫艺术的舞台上一直处在主流之外。

▲ 连恩·莱，图片来源：Patterson

连恩·莱的突破性探索始于20世纪30年代，当时，他开始舍弃摄影机，直接在赛璐珞胶片上进行绘画、快速切换编辑、刮擦、拼贴、多重曝光，将非叙事性抽象影像与节奏欢快的古巴爵士乐相拼贴的一系列作品，如《彩色盒子》（A Colour Box，1935），已经成为探索电影媒介艺术表达的一块试金石。其电影《自由激进》（Free Radicals，1957）持续影响了几代实验电影人的创作，其中就包括诺曼·麦克拉伦（Norman McClaren）以及斯坦·布拉哈格（Stan Brakhage）。

▲ 连恩·莱《彩色盒子》影像静帧，图片来源：BFI

长期以来对非西方以及原始艺术的关注以及南太平洋诸岛艺术与电影的启发，特别是舞蹈仪式以及部落音乐的所具备的原始性的力量，使得动态的能量以及其作为一种全新艺术形式的可能性的成为连恩·莱毕生创作激情的来源，比如其半抽象动画《突色拉瓦》（Tusalava，1929，Tusalava 为萨摩亚语，意指万物循环不已）以及《贸易纹身》（Trade Tattoo，1937）等作品的图像与创作灵感就来源于原始的树皮与蜡染画。

▲ 连恩·莱《突色拉瓦》影像静帧，图片来源：BFI

这些大胆的尝试不断突破不同媒介之间的界限，其其舍弃摄影机，通过刮擦灼烧赛璐珞胶片、拼接古巴爵士乐曲所创作的经典影像作品，开“直接动画”之先河，这些无镜头创作与影像风格在今天看来也颇具实验性与革命性，至今对故障艺术都具有深远的影响。