上海。在中国，朱利安·奥培最为人所知的是他为 BLUR 乐队绘制的专辑封面。这位出生于1958年的艺术家来自英国伦敦，曾师从著名观念艺术家迈克尔·克雷格-马丁（Michael Craig-Martin）。他的作品曾经来到过中国上海，参加了“2006年上海双年展”以及“未来总动员：英国文化协会当代艺术珍藏展”（2010年）。
3月28日，“朱利安·奥培”（Julian Opie）展在毗邻上海外滩的复星艺术中心拉开帷幕，这是英国艺术家朱利安·奥培在中国举办的首次大型个展，展览名即艺术家的名字，展出囊括了奥培最具代表性的人物、肖像等近50件作品。
在展览期间，《艺术新闻》专访了擅长以各种艺术表现方式的描绘简笔人物的艺术家朱利安·奥培。
《艺术新闻》
专访朱利安·奥培
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朱利安·奥培
Julian Opie
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英国当代艺术家
Q：很多中国朋友是通过BLUR乐队的专辑封面接触到您的艺术创作的，您是如何获得这次设计的机会的？这张专辑封面又对您的艺术生涯带来怎样的影响？
▲ 朱利安·奥培 BLUR乐队专辑《The Best Of》封面，2000年
A：我向来对运用不同的艺术手法与展示艺术的方式很感兴趣。史前时代，艺术家们通常在岩壁上作画，后来是城市建筑物外墙，再后来则是宫殿和教堂——画廊展览实际上算是件新鲜事物。艺术家们必须了解其作品被展示的可能性，所以我一直在探索这一点，它并不带来名望但于我而言很有意思。我常有思考唱片封面，那些伴我们长大的图像是文化的一大构成。所以当我知道我需要设计这张专辑封面时，我很高兴能接触这支活力四射的乐队，也不觉得和其他的艺术项目有什么不同。音乐领域的覆盖面或许比艺术领域宽泛得多，世界各地的人们都能认出我画的这张 CD 封面，使我惊讶。这件事情展示了把我的画带向全世界的更多可能——它不像是我认识 BLUR 乐队然后合作出这一项目，而是出于我个人的推广行为与唱片公司间的联系。
▲朱利安·奥培《哈克尼区散步3》,2016年
Q：你曾师从迈克尔·克雷格-马丁，他给予你怎样的灵感启发？
A：迈克尔确是一位良师。对我而言，上艺术学校最棒的就是能整日不受压力地进行艺术创作，不必考虑赚钱谋生或钻研学问。就这样我在艺术学校度过了三、四年，不断地做我热爱的事情。这里的老师也不只有一个身份，他们同时也是艺术家，不仅教我们创作，也教我们了解艺术界。我与迈克尔一见如故，他理解我的作品，我也能理解并运用他教授的知识。他的存在像是一位向导、一张地图。比如当我完成一件作品，他会给出简单直接的建议“再做10件”，这办法能让我明晰创作的法则，看清作品中好或坏的部分然后继续前进。
▲ 朱利安·奥培《里德1》（前），2013年；《黛尔菲恩1》（后），2013年；《乔治》（左），2014年
Q：2000年后，出于什么原因你开始注重描绘人物轮廓？
A：我年轻时，梦中出现最多的就是人的面孔，这也是我们尚在襁褓之中时识别的第一件事物，是世界上不可或缺的要素。我们通过人脸开始熟悉彼此。作为图像，它有着其他种类难以匹及的表现力。所以我想唤起每个人身上这股强大的力量并投入创作之中。我十几岁时喜欢看其他艺术家如何作画，也模仿过《丁丁历险记》的作者埃尔热（Hergé）的手法，从而总结出一些画人脸的心得。他独特的画风十分写实，也有几分符号化。我在创作时就会撇开繁杂的细节，只专注于表现基本的层面。1990年代我希望把人物带入日常生活，就开始画汽车、动物和建筑。当时我只想集中于某种绘图语言，街头情景都可以让观众看到自己的影子。
于是我做了进一步的尝试，将男女形象拼合在一起组成一幅图像。他们看起来像是我的一对朋友，却也有着普适性，能让观众同时抽提出人物的特质与共性。我开始发展符号化的创作，让属于每个人的logo都能像大公司的符号那样能被一眼认出。至今我已画了成千上百的人像，但还不是定义下的“每个人”，创作项目将继续进行下去。
▲ 朱利安·奥培《至韵、伊恩、丹妮尔》，2016年
Q：是什么启发你创作动态的人物形象？
A：我曾画过站立的人物形象，但我不觉得动态会是一个天大的转变，它只是日常生活的一个片段。我用相机录下我姐姐的一个朋友在器械上走路的过程，然后画下来，这是很自然地发生的。世界上的一切事物都在以或快或慢的速度运动，静止不动的图像反而显得生硬。所以我从一开始就想让画面动起来，有时在画背后装一个电动引擎，有时则采用动画技术。直到1890年代才有了电影放映，但我不喜欢在漆黑影厅中的呈现方式，只想追求简单的移动影像。
▲ 朱利安·奥培《埃琳娜》，2014年
Q：你在过去的创作中尝试过不同的技术，例如数码摄影、动画、全息技术和3D打印等。最近又有什么进展？
A：最新用到的技术是挂毯。我观察着人们用来创作图像的种种技术。穴居时代人们就开始描绘下所见之物，可见图像的转化是受人本性驱使。能采用的媒介也非常之多，有先进的LED和电视，也有复古的挂毯和马赛克。我之前从未制作过挂毯，所以它对我来说是门新鲜的图像语言，这也是我第一次展示。楼下展出的一幅小巧的手绘，对我来说有别样的含义。我有些老了，太久以来都是用各式各样的机械装置和科技手段绘画、印刷、切割，手绘反而有着与众不同的质感。
Q：你这次来到上海出于何种机缘？
A：我受邀而来。艺术家就像旧时舞会上的女士，等待着男士邀请她们共舞——不过现在通讯更为发达，艺术家们坐着等候电话响起，或邮件的到来。我常收到各式各样的邀请，来自多伦多、北京……那感觉很棒。我朋友形容这好比钓鱼，我在海里撒下网，总有意想不到的收获。
▲ 朱利安·奥培《纳塔利、科里、丹尼尔》，2016年
Q：你有为本次中国的大型个展准备特制作品吗？这些作品又有何种特殊含义？
A：最初设想的是一个公共艺术项目，继而开始探讨是否有可能举办一场小型展览。后来复星艺术中心建设起来，我们的想法开始转变，从在二楼办展又扩展到三楼——这是个有机的过程。我来到这里后，发现无论是楼层挑高、能俯瞰上海外滩的窗，还是毗邻的购物与办公空间，都带来场地的真实感。我开始构思如何根据这片场地来展示我的作品，最终划分了8个主题来充分表达我当下的所思所感。我的助手用计算机将展览空间3D化，所以我来之前就可以预想好墙上作品的尺幅和数目，让布展更容易。
Q：你期待中国观众会有怎样的反馈？
A：我的付出只是想让人们乐在其中，通过观展得到愉快的体验，并从中感到与自身的关联。这些作品传递的是我观看世界的方式，以及我对现实的看法。虽然我没法认识每一位观众或者进行一对一的交流，但我很乐意用作品与这些有趣的观众产生沟通。这样的沟通使我有存在感，我也期待观众借此获得乐趣。
在复星艺术中心遇见朱利安·奥培
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展览设于复星艺术中心的二至三楼，共有八大主题。在展馆的一楼就有奥培创作的LED动态人物灯箱，吸引着观众进入他亦动亦静的艺术世界。
▲ “朱利安·奥培”展览现场，LED动态人物灯箱界面
二楼展厅主要展出奥培标志性的肖像系列作品。展览结构分为四个区域、一个中心点。
第一展区的主题是肖像，呈现了极为符号化、简略化的人物肖像，五官被弱化，而是强调了人物的轮廓、线条，用色鲜艳、纯度高。艺术家的初衷是为他遇见的人制作一张独属于个人的脸部特写，如同印章般的标志。
第二展区的主题是群众，如芸芸众生们的写照，无论是动作、步态，还是个性化着装，都值得留心观察。
第三展区的主题是慢跑，慢跑充满规律性与流畅感，艺术家执迷于捕捉稍纵即逝的瞬间。
第四展区的主题是头像，与第一展区的肖像不同，艺术家摆脱了惯常运用的黑色线条与平面化手法，呈现了立体感的人物头像。他甚至运用古老的马赛克镶嵌技艺创作了人物头像，还有树脂材料制作的大型人物头像。二楼展厅中央是一件名为《都市》的装置作品，如同摩天大楼贯穿在展区中央。
▲朱利安·奥培《戴项链坠子的女性》，2016年
▲ 朱利安·奥培《城市》装置作品
三楼展厅主要展出户外主题的作品。比起奥培标志性的人物肖像作品，这一系列相对陌生，与以人为主的作品形成鲜明反差。展览结构同样分为四个区域、一个中心点。数头黑脸白毛、萌态可掬的英国绵羊装置作品占据着中央醒目的位置，一番英国田园风情呈现眼前。
第五展区的主题是森林，有艺术家创作的反映树林的黑色剪影贴纸画和奔腾的马匹。
第六展区的主题是驾车，奥培在驾车环游西欧时，记载了驾车时所看到的景观，车辆行驶的过程体现了无限延伸的可能性，视线中不时地出现平行线、汇聚线。奥培通过挂毯、平面绘画、LED等多种媒介表达了“驾车”这个主题。
第七展区的主题是速度，与驾车主题相呼应，高速与静态截然不同，奥培以视觉的形式呈现出个人眼中关于速度的艺术风貌。
第八展区的主题是电影，这同样是一门视觉艺术，但它更为综合，是声光电的结合，奥培将画面看成一扇窗，一旦投入其中便可以在画中自由移动。奥培表现了连绵起伏的山脉、大自然的广阔空间，捕捉着动画中微妙而重复的动作。
▲ 朱利安·奥培 英国绵羊装置作品
▲ 朱利安·奥培《松林》，2013年
透过此次个展，我们得以领略奥培随心所欲地驾驭多种材料的技能——无论是油画、雕塑、壁画、马赛克、挂毯，还是LED、LCD影片，都成为了他表达观念的重要媒介，奥培的艺术语言鲜活，极具流行性和通俗性的多元面貌。（采访、撰文／李丽婴，翻译／许婧）
上海市黄浦区中山东二路600号
